martes, 27 de septiembre de 2011
Primera estaciòn
Comunicado de prensa
Zipaquirà Septiembre 27 de 2011
Dirigido a: Casas de la cultura, colegios, universidades, redactores y periodistas culturales.
De: Fundacioncuartodehora
Cuartodehora es un espacio de encuentro donde se cruzan los discursos y la informacion del arte contemporaneo con los receptores que lo necesiten para que así ellos logren alcanzar su cuarto de hora. Esta fundación es una propuesta artística de responsabilidad social que invita a artistas, teóricos, galeristas, docentes, etc. que ya han tenido su Cuartodehora para que lo compartan con los que se inician como artistas y que por razones socioeconómicas no han tenido acceso a estos conceptos.
Referencia: Exposición Primera Estación
El sábado 15 de Octubre se abre al público la muestra colectiva “Primera estación” gestionada por la fundacioncuartodehora con el apoyo del I.M.C.R.D.Z y con la participación de los artistas:
Camilo Garzón, Jorge Andrés Carrillo, Uriel Ladino, Alfonso Duran, Paulo Álvarez, David Becerra, Johanna Arenas, Fernando Pertuz, Marcelo Mejía y Jorge Pachón
Lugar: Estación del tren de Zipaquirà
La muestra estará abierta al público de martes a domingo de 10:00 am a 5:00 pm del 15 de Octubre al 15 de Noviembre.
Recepción de Inauguración: Sábado Octubre 22 de 2011 de 12:00 a 5:00 pm estaciòn del tren de Zipaquirà.
Primera Estación
La presente exposición se ha denominado así, por la coincidencia de las circunstancias que la hicieron posible: por un lado es la primera exposición profesional que realizan estos jóvenes artistas, o sea es la primera estación a la que llegan para presentar sus propuestas personales y confrontarlas con el público. Por otro se hace posible en un espacio histórico como lo es la estación del tren de Zipaquira que es una construcción de estilo neoclásico francés, conocida como estación de tres esquinas y que fue edificada entre los años 1926 y1927. Diseñada por el arquitecto Alfredo Bazzani y bautizada con su apellido. La Estación del Tren, declarada Monumento Nacional, se integra ahora con los prados, la fuente y los juegos del Parque de la Esperanza, en un gran espacio dedicado a la cultura y la recreación. Y por ultimo y tal vez la más importante es que es gestionada y concebida dentro del concepto de semillero de la fundación por los participantes del colectivo, en la cual queremos visualizar el trabajo que hemos llevado a cabo por más de año y medio en los procesos de investigación y profesionalización en el campo de las Artes.
La exposición es una muestra individual de la obra de cada uno de los participantes activos de fundacioncuartodehora , 6 Beneficiarios y 4 benefactores ubicados dentro de un espacio colectivo de trabajo ( Primera estación ), por lo cual no posee curaduría unificadora . Cada artista expone su trabajo personal, con su propio discurso aprovechando los espacios llenos de historia y hermosa arquitectura que nos ofrece la edificación.
Les agradecemos de antemano la difusión de este comunicado, en caso de necesitar información adicional, favor comunicarse con Jorge Pachón al 3118903715.
Atentamente,
Jorge Pachón
Director
miércoles, 20 de abril de 2011
lunes, 24 de enero de 2011
Primera estacion
Primera Estación ( en proceso) fecha Mayo de 2011
La presente exposición se ha denominado así, por la coincidencia de las circunstancias que la hicieron posible: por un lado es la primera exposición profesional que realizan estos jóvenes artistas, o sea es la primera estación a la que llegan para presentar sus propuestas personales y confrontarlas con el público. Por otro se hace posible en un espacio histórico como lo es la estación del tren de Zipaquira que es una construcción de estilo neoclásico francés, conocida como estación de tres esquinas y que fue edificada entre los años 1926 y1927. Diseñada por el arquitecto Alfredo Bazzani y bautizada con su apellido. La Estación del Tren, declarada Monumento Nacional, se integra ahora con los prados, la fuente y los juegos del Parque de la Esperanza, en un gran espacio dedicado a la cultura y la recreación. Y por ultimo y tal vez la más importante es que es gestionada y concebida dentro del concepto de semillero de la fundación por dos participantes de la fundación que viven en Zipaquira, En 2011 nos proponemos llevar a cabo la exposición Primera Estación, en la estación del tren gracias a dos artistas residentes, Camilo Garzón y Jorge Carrillo, en la cual queremos visualizar el trabajo que hemos llevado a cabo por más de año y medio en los procesos de investigación y profesionalización en el campo de las Artes.
La exposición es una muestra individual de la obra de cada uno de los participantes activos de cuartodehora ubicados dentro de un espacio colectivo de trabajo ( Primera estación ), por lo cual no posee curaduría unificadora , cada artista expone su trabajo personal , con su propio discurso aprovechando los espacios llenos de historia y hermosa arquitectura que nos ofrece la edificación.
A partir de experiencias en los espacios institucionalizados del arte como galerías, academias, Universidades, ferias de arte, etc. Nos hemos dado cuenta de lo alejado que esta el arte de la gente, el arte solo llega al mundo del arte a nivel de discusión académica y como objeto de consumo aquellas personas que tienen un poder adquisitivo alto, esto aísla a gran parte de la sociedad colombiana haciendo que el arte parezca algo exclusivo o lejano para el común de las personas , esto acentuado con la poca información acerca de este tema por parte de los medios de comunicación..
La fundación cuarto de hora busca como principal objetivo generar “responsabilidad social” en sus miembros, llevando a cada una de las localidades, de los participantes (comenzando en Bogotá), muestras de arte allí donde la gente no tenga acceso a estos conceptos y a estos espacios.
Con la fundación hemos tenido dos experiencias bastante gratas para nosotros tales como la muestra itinerante de la exposición Santa Fe, que se inauguro en el barrio Santa Fe de Bogotá y luego se traslado a Cafam la floresta, allí pudimos cumplir nuestro objetivo llevando a mas de 300 personas la exposición.
Zipaquirá es un centro histórico y cultural de Colombia y representa para nosotros un regreso a nuestros orígenes, una retribución a nuestra cultura, y el nombre del lugar: Primera Estación hace visible el comienzo de nuestro viaje.
A continuación encontraran los textos y las imágenes de algunas de las obras que participaran de la muestra. Cada texto fue redactado por cada artista como un elemente ilustrativo del concepto de su obra.
La presente exposición se ha denominado así, por la coincidencia de las circunstancias que la hicieron posible: por un lado es la primera exposición profesional que realizan estos jóvenes artistas, o sea es la primera estación a la que llegan para presentar sus propuestas personales y confrontarlas con el público. Por otro se hace posible en un espacio histórico como lo es la estación del tren de Zipaquira que es una construcción de estilo neoclásico francés, conocida como estación de tres esquinas y que fue edificada entre los años 1926 y1927. Diseñada por el arquitecto Alfredo Bazzani y bautizada con su apellido. La Estación del Tren, declarada Monumento Nacional, se integra ahora con los prados, la fuente y los juegos del Parque de la Esperanza, en un gran espacio dedicado a la cultura y la recreación. Y por ultimo y tal vez la más importante es que es gestionada y concebida dentro del concepto de semillero de la fundación por dos participantes de la fundación que viven en Zipaquira, En 2011 nos proponemos llevar a cabo la exposición Primera Estación, en la estación del tren gracias a dos artistas residentes, Camilo Garzón y Jorge Carrillo, en la cual queremos visualizar el trabajo que hemos llevado a cabo por más de año y medio en los procesos de investigación y profesionalización en el campo de las Artes.
La exposición es una muestra individual de la obra de cada uno de los participantes activos de cuartodehora ubicados dentro de un espacio colectivo de trabajo ( Primera estación ), por lo cual no posee curaduría unificadora , cada artista expone su trabajo personal , con su propio discurso aprovechando los espacios llenos de historia y hermosa arquitectura que nos ofrece la edificación.
A partir de experiencias en los espacios institucionalizados del arte como galerías, academias, Universidades, ferias de arte, etc. Nos hemos dado cuenta de lo alejado que esta el arte de la gente, el arte solo llega al mundo del arte a nivel de discusión académica y como objeto de consumo aquellas personas que tienen un poder adquisitivo alto, esto aísla a gran parte de la sociedad colombiana haciendo que el arte parezca algo exclusivo o lejano para el común de las personas , esto acentuado con la poca información acerca de este tema por parte de los medios de comunicación..
La fundación cuarto de hora busca como principal objetivo generar “responsabilidad social” en sus miembros, llevando a cada una de las localidades, de los participantes (comenzando en Bogotá), muestras de arte allí donde la gente no tenga acceso a estos conceptos y a estos espacios.
Con la fundación hemos tenido dos experiencias bastante gratas para nosotros tales como la muestra itinerante de la exposición Santa Fe, que se inauguro en el barrio Santa Fe de Bogotá y luego se traslado a Cafam la floresta, allí pudimos cumplir nuestro objetivo llevando a mas de 300 personas la exposición.
Zipaquirá es un centro histórico y cultural de Colombia y representa para nosotros un regreso a nuestros orígenes, una retribución a nuestra cultura, y el nombre del lugar: Primera Estación hace visible el comienzo de nuestro viaje.
A continuación encontraran los textos y las imágenes de algunas de las obras que participaran de la muestra. Cada texto fue redactado por cada artista como un elemente ilustrativo del concepto de su obra.
Participantes : Jorge Andres Carrillo, Camilo Garzon, Jorge Pachón, Alfonso Duran, Uriel Ladino
lunes, 25 de enero de 2010
lunes, 27 de julio de 2009
expo CAFAM
SANTA FÉ (primera itinerancia)
a partir de este lunes 27 de Julio y durante un mes estara abierta la muestra SANTA FÉ en su primera itinerancia por las localidades de los artistas participantes del proyecto fundacioncuartodehora en este caso la gestión del espacio fué realizada por Marcela Escobar residente en La floresta.
La inauguración oficial se realizara el dia lunes diez de agosto a las seis p.m en el hall de exposiciones de la Subdirección de educacion de CAFAM en asocio con la Biblioteca de este centro . Expresamos nuestros agradecimientos a la Doctora Carolina Arboleda y a la Doctora Piedad Gutierrez de la Subdireccion de educacion de Cafam y a los funcionarios de la Biblioteca y de Mantenimiento que nos ayudaron en la realización y el montaje de este evento.
lunes, 22 de junio de 2009
Evento Fecha:Sabado 27 de junio de 2.009 Lugar:Estudio TOT Av Caracas esquina calle 20,Horario: 10.00a.m a 5.00 p.m, Unico Dìa.
ESTA EXPOSICION ES ORGANIZADA CON LA GESTION DE LA FUNDACIONCUARTODEHORA.
Jorge Pachón
Director
SANTA FE
Esta exposición plantea un ejercicio curatorial bastante atípico , ya que no se inicia con un guión preestablecido con base en una investigación exhaustiva, sino con una invitación al señor Azar y al señor Tiempo que se encargaron de ir hilvanado y uniendo los procesos, las imágenes , los artistas y a quien les escribe el curador, hasta lograr una propuesta que al final del proceso tenia toda la coherencia del caso , es decir la investigación es el proceso mismo y esta muestra es su visibilización .
Los procesos artísticos aquí presentados se han ido estructurando mas o menos en un lapso de dos años y en su conjunto poseen varios elementos que aun cuando parten de la diversidad, la distancia, las localidades, logran crear una unidad que permite leer esta muestra como el desarrollo de un proyecto curatorial coherente: SANTA FE
En la expresión de cada uno de los artistas participantes es evidente la presencia de una carga muy fuerte, dolorosa e intangible que a manera de pegamento unifica los trabajos, no tanto en lo formal, sino en lo conceptual : la culpa. La religión entonces es la primera guía para entender las propuestas de los artistas aquí expuestos, la Santa Fe mal entendida que cuestiona, señala, excluye, castiga y reprime.
Cada uno desde su mirada plantea una relación cuestionadora de la carga que la religión ejerce sobre el cuerpo a través del discurso y de las imágenes que de tanto oírlos y verlas se van convirtiendo en algo cotidiano y natural que presiona y angustia y que alimenta imaginarios de culpa y castigo. Conceptos de control, cuerpo y alma, pecado y castigo, dominantes y sumisos, hombre y mujer, locura y sanidad, martirio y placer, expiación y santidad se retoman, se reciclan y se reinventan en la búsqueda de un vestido ético y moral más acorde con la sensibilidad personal y con el cambio de los tiempos y de las sociedades. Por azares de la vida esta exposición fue posible en un espacio ubicado en el barrio santafe declarado zona de tolerancia sobre la historia de una fe ancestral de una comunidad inmigrante de la primera mitad del siglo XX en Bogotá
Artistas participantes:
Karen Guerrero
Nos ubica en un espacio con olor a inquisición, tortura y juicio. Un miriñaque en forma de vestido de novia, símbolo claro de la sumisión de la mujer, de la carga que puede representar para las mujeres jóvenes el acceder a costumbres antiguas y obsoletas que las limitan en la libre expresión , el miriñaque deja ver el espacio social y el espacio publico de la mujer ,los limites ,el ornamento y la seducción como herramienta para obtener amor , este expresado con semillas en forma de corazón, aisladas en celdas que les impide comunicarse entre ellas, puestas en escena para ser vistas, semillas como bellas durmientes , bellas durmientes urbanas que no duermen , Sailor moon con poderes emanados de un bastón mágico.
Uriel Ladino
Presenta una video instalación en donde divide el espacio de proyección de manera sutil como metáfora del cuerpo y del alma, en el video las situaciones de tensión se expresan en el mismo campo visual pero en cada espacio las expresiones se comportan diferente en uno esta la presencia corporal con lo que esta conlleva: torsiones, estiramientos, movimientos y en otro el Éter, lo luminoso, lo ingrávido como símbolo de lo místico, esta dualidad es expresada desde lo abstracto. Lo corporal y lo inmaterial no son definibles como forma y su presentación en formato video no es una intención puramente técnica, sino la utilización de la luz como medio de expresión y de trasformación (vitral gótico contemporáneo).
Jorge Carrillo
“Somos mas populares que Jesucristo” planteaban los Beatles en los sesentas y fueron excomulgados por esto, mas tarde en “ the Yellow submarine” salvarían el mundo con una sola consigna: “ all you need is love” y de cierta manera estaban reciclando este concepto de las enseñanzas de Jesús , todo lo que necesitamos es amor y así lo entiende Jorge Carrillo, que sin proponérselo recurre a una expresión visual muy sesentera : a partir de minúsculas flores casi imperceptibles crea un dibujo - cuerpo que va creciendo y se va agrandando a partir de fragmentos que funcionan cada uno en forma independiente , pero con la intención de completar un cuerpo en el espacio.
El sistema acumulativo de cientos de pequeñas flores que unidas expresan el afecto materno calido y pasional , las pequeñas acciones amorosas ,día tras día, año tras año , como una colcha de crochet o la colcha de retazos , armadas a partir de paciencia de pequeñas puntadas que logran completar un todo .la expresión se ve reforzada por el color rojo :el rojo vida, el rojo sangre, el rojo ira , el rojo seductor, el rojo castigo ,el rojo violencia , todos estos rojos que pasan por aquel rojo primigenio : el rojo amor.
Libardo Higuera
Las imágenes que apasionan y nutren el trabajo de Libardo Higuera son una mezcla entre Santa Teresa (la obra de Bernini) y las imágenes explicitas del hardcore. Éxtasis para el alma y castigo para el cuerpo, los torsos que presenta para esta muestra expresan esa dualidad, esa búsqueda y esa pregunta. El objeto de seducción se llena de encajes, de dorados, de arandelas, se idealiza tanto que termina adquiriendo un halo de santidad y de lejanía, el fetiche se sacraliza y se aleja, entra a formar parte mas de lo místico que de lo terreno, los torsos flotan como santas inalcanzables, percibibles únicamente a través de los sentidos: el olfato y el tacto cómplices sensoriales que hacen posible construir un mapa personal de deseo.
Camilo Garzón
Los seres humanos estamos construidos bajo códigos y mitos ancestrales que se repiten una y otra vez en la historia cada vez que intentamos resolver situaciones para las que no nos sentimos preparados, no solo desde lo colectivo, sino desde lo individual. Es por esto que la información y el conocimiento posee tanto valor por que si el hombre tuviera memoria no repetiríamos los mismos errores como colectividad.
Camilo Garzón indaga, se acerca y juega desde lo individual con un mito que nos acompaña desde tiempos inmemoriales: BABEL, que no es otra cosa que la pérdida de la comunicación como castigo por querer comunicarse. Según la historia bíblica el hombre (hijo) estaba realizando una gran torre (poder) para poder llegar a Dios (autoridad) y este decidió confundirlo creando diferentes lenguas (control) para que los hombres no pudieran comunicarse entre si y el proyecto no fuera posible, Camilo inicia este proyecto con una babel hecha a punta de juguetes: vaqueritos, indiecitos, soldaditos, caballeritos y demás “rolecitos” masculinos estereotipados y la confronta con otra hecha de casetes de sonido setenteros, obsoletos con mensajes del pasado, que aun cuando quisiera escuchar no puede por que la tecnología ya los supero creando así una imagen de babel moderna que indaga acerca de la comunicación y del poder.
Carolina Gómez
La fotografía es una visión mecánica de la realidad , la cámara no siente , por lo cual la imagen que nos presenta esta liberada de toda subjetividad, pero en manos del artista, este la utiliza como un medio para expresar conceptos que surgen de lo interior, la fotografía le permite a la imagen intima volverse publica. La metáfora que utiliza Carolina en estas fotografías es como ella misma lo dice: “es estar como en el baño”, es mostrar su intimidad, que en la medida en que se vuelve publica comunica y hace visible la sensibilidad de genero, la mujer y sus roles, la muñeca, la sufrida, la eterna enamorada, el ying y el yang de la mujer: guerrera y dependiente a la vez.
Ivan Doncel
Como moscas en la miel, lo limpio y lo sucio, el control de los sentidos, el gusto, las etapas en el aprendizaje infantil, todo seduce a Ivan doncel para proponernos ver como moscas, con múltiples ojos realidades distintas, ver nuevamente las cosas sin prejuicios, aprender a ver lo bello en lo feo, aprender a revisitar los eventos y las situaciones y sacarles nuevas propuestas, relacionar como él lo hace atracción y abstracción entre la a y la b ya existe una diferencia.
Jorge Pachón
Director
SANTA FE
Esta exposición plantea un ejercicio curatorial bastante atípico , ya que no se inicia con un guión preestablecido con base en una investigación exhaustiva, sino con una invitación al señor Azar y al señor Tiempo que se encargaron de ir hilvanado y uniendo los procesos, las imágenes , los artistas y a quien les escribe el curador, hasta lograr una propuesta que al final del proceso tenia toda la coherencia del caso , es decir la investigación es el proceso mismo y esta muestra es su visibilización .
Los procesos artísticos aquí presentados se han ido estructurando mas o menos en un lapso de dos años y en su conjunto poseen varios elementos que aun cuando parten de la diversidad, la distancia, las localidades, logran crear una unidad que permite leer esta muestra como el desarrollo de un proyecto curatorial coherente: SANTA FE
En la expresión de cada uno de los artistas participantes es evidente la presencia de una carga muy fuerte, dolorosa e intangible que a manera de pegamento unifica los trabajos, no tanto en lo formal, sino en lo conceptual : la culpa. La religión entonces es la primera guía para entender las propuestas de los artistas aquí expuestos, la Santa Fe mal entendida que cuestiona, señala, excluye, castiga y reprime.
Cada uno desde su mirada plantea una relación cuestionadora de la carga que la religión ejerce sobre el cuerpo a través del discurso y de las imágenes que de tanto oírlos y verlas se van convirtiendo en algo cotidiano y natural que presiona y angustia y que alimenta imaginarios de culpa y castigo. Conceptos de control, cuerpo y alma, pecado y castigo, dominantes y sumisos, hombre y mujer, locura y sanidad, martirio y placer, expiación y santidad se retoman, se reciclan y se reinventan en la búsqueda de un vestido ético y moral más acorde con la sensibilidad personal y con el cambio de los tiempos y de las sociedades. Por azares de la vida esta exposición fue posible en un espacio ubicado en el barrio santafe declarado zona de tolerancia sobre la historia de una fe ancestral de una comunidad inmigrante de la primera mitad del siglo XX en Bogotá
Artistas participantes:
Karen Guerrero
Nos ubica en un espacio con olor a inquisición, tortura y juicio. Un miriñaque en forma de vestido de novia, símbolo claro de la sumisión de la mujer, de la carga que puede representar para las mujeres jóvenes el acceder a costumbres antiguas y obsoletas que las limitan en la libre expresión , el miriñaque deja ver el espacio social y el espacio publico de la mujer ,los limites ,el ornamento y la seducción como herramienta para obtener amor , este expresado con semillas en forma de corazón, aisladas en celdas que les impide comunicarse entre ellas, puestas en escena para ser vistas, semillas como bellas durmientes , bellas durmientes urbanas que no duermen , Sailor moon con poderes emanados de un bastón mágico.
Uriel Ladino
Presenta una video instalación en donde divide el espacio de proyección de manera sutil como metáfora del cuerpo y del alma, en el video las situaciones de tensión se expresan en el mismo campo visual pero en cada espacio las expresiones se comportan diferente en uno esta la presencia corporal con lo que esta conlleva: torsiones, estiramientos, movimientos y en otro el Éter, lo luminoso, lo ingrávido como símbolo de lo místico, esta dualidad es expresada desde lo abstracto. Lo corporal y lo inmaterial no son definibles como forma y su presentación en formato video no es una intención puramente técnica, sino la utilización de la luz como medio de expresión y de trasformación (vitral gótico contemporáneo).
Jorge Carrillo
“Somos mas populares que Jesucristo” planteaban los Beatles en los sesentas y fueron excomulgados por esto, mas tarde en “ the Yellow submarine” salvarían el mundo con una sola consigna: “ all you need is love” y de cierta manera estaban reciclando este concepto de las enseñanzas de Jesús , todo lo que necesitamos es amor y así lo entiende Jorge Carrillo, que sin proponérselo recurre a una expresión visual muy sesentera : a partir de minúsculas flores casi imperceptibles crea un dibujo - cuerpo que va creciendo y se va agrandando a partir de fragmentos que funcionan cada uno en forma independiente , pero con la intención de completar un cuerpo en el espacio.
El sistema acumulativo de cientos de pequeñas flores que unidas expresan el afecto materno calido y pasional , las pequeñas acciones amorosas ,día tras día, año tras año , como una colcha de crochet o la colcha de retazos , armadas a partir de paciencia de pequeñas puntadas que logran completar un todo .la expresión se ve reforzada por el color rojo :el rojo vida, el rojo sangre, el rojo ira , el rojo seductor, el rojo castigo ,el rojo violencia , todos estos rojos que pasan por aquel rojo primigenio : el rojo amor.
Libardo Higuera
Las imágenes que apasionan y nutren el trabajo de Libardo Higuera son una mezcla entre Santa Teresa (la obra de Bernini) y las imágenes explicitas del hardcore. Éxtasis para el alma y castigo para el cuerpo, los torsos que presenta para esta muestra expresan esa dualidad, esa búsqueda y esa pregunta. El objeto de seducción se llena de encajes, de dorados, de arandelas, se idealiza tanto que termina adquiriendo un halo de santidad y de lejanía, el fetiche se sacraliza y se aleja, entra a formar parte mas de lo místico que de lo terreno, los torsos flotan como santas inalcanzables, percibibles únicamente a través de los sentidos: el olfato y el tacto cómplices sensoriales que hacen posible construir un mapa personal de deseo.
Camilo Garzón
Los seres humanos estamos construidos bajo códigos y mitos ancestrales que se repiten una y otra vez en la historia cada vez que intentamos resolver situaciones para las que no nos sentimos preparados, no solo desde lo colectivo, sino desde lo individual. Es por esto que la información y el conocimiento posee tanto valor por que si el hombre tuviera memoria no repetiríamos los mismos errores como colectividad.
Camilo Garzón indaga, se acerca y juega desde lo individual con un mito que nos acompaña desde tiempos inmemoriales: BABEL, que no es otra cosa que la pérdida de la comunicación como castigo por querer comunicarse. Según la historia bíblica el hombre (hijo) estaba realizando una gran torre (poder) para poder llegar a Dios (autoridad) y este decidió confundirlo creando diferentes lenguas (control) para que los hombres no pudieran comunicarse entre si y el proyecto no fuera posible, Camilo inicia este proyecto con una babel hecha a punta de juguetes: vaqueritos, indiecitos, soldaditos, caballeritos y demás “rolecitos” masculinos estereotipados y la confronta con otra hecha de casetes de sonido setenteros, obsoletos con mensajes del pasado, que aun cuando quisiera escuchar no puede por que la tecnología ya los supero creando así una imagen de babel moderna que indaga acerca de la comunicación y del poder.
Carolina Gómez
La fotografía es una visión mecánica de la realidad , la cámara no siente , por lo cual la imagen que nos presenta esta liberada de toda subjetividad, pero en manos del artista, este la utiliza como un medio para expresar conceptos que surgen de lo interior, la fotografía le permite a la imagen intima volverse publica. La metáfora que utiliza Carolina en estas fotografías es como ella misma lo dice: “es estar como en el baño”, es mostrar su intimidad, que en la medida en que se vuelve publica comunica y hace visible la sensibilidad de genero, la mujer y sus roles, la muñeca, la sufrida, la eterna enamorada, el ying y el yang de la mujer: guerrera y dependiente a la vez.
Ivan Doncel
Como moscas en la miel, lo limpio y lo sucio, el control de los sentidos, el gusto, las etapas en el aprendizaje infantil, todo seduce a Ivan doncel para proponernos ver como moscas, con múltiples ojos realidades distintas, ver nuevamente las cosas sin prejuicios, aprender a ver lo bello en lo feo, aprender a revisitar los eventos y las situaciones y sacarles nuevas propuestas, relacionar como él lo hace atracción y abstracción entre la a y la b ya existe una diferencia.
Camilo Manrique
Un evento, un momento, una imagen capturada y que captura, un símbolo: la toalla, un lugar intimo: el baño, una sensación: quemadura, un artista: Hockney. Todo esto como en una coctelera nos permiten ver hoy la propuesta de dibujo de Camilo Manrique quien hace una analogía del baño como espacio intimo y la mente como espacio lógico, la cuadricula de las baldosas del baño recuerdan las coordenadas cartesianas, la lógica cuadriculada que enferma, lo limpio y lo sano.
Jorge Igua
Un evento, un momento, una imagen capturada y que captura, un símbolo: la toalla, un lugar intimo: el baño, una sensación: quemadura, un artista: Hockney. Todo esto como en una coctelera nos permiten ver hoy la propuesta de dibujo de Camilo Manrique quien hace una analogía del baño como espacio intimo y la mente como espacio lógico, la cuadricula de las baldosas del baño recuerdan las coordenadas cartesianas, la lógica cuadriculada que enferma, lo limpio y lo sano.
Jorge Igua
La visión del martirio y del sufrimiento del hombre para lograr la perfección bien pudieran ser conceptos obsoletos, pero si analizamos los modelos masculinos contemporáneos desde Maclane de Bruce Willis, Rambo de Stallone,Terminator de Schwarzenegger en donde el héroe lucha contra el mal frenéticamente dejando tras de sí una estela de violencia, destrucción y muerte .Lucha y sufrimiento expresados sobre cuerpos atléticos, masculinos y simétricos ,que terminan siempre la película jadeantes , con una camiseta hecha jirones llena de huellas sangrientas que bien podría ser una pintura expresionista de Pollock, podríamos concluir que el sufrimiento como mensaje de transformación se sigue ofreciendo como modelo no es sino ver el último icono del martirio: la pasión de Mel Gibson en donde Gibson se solacea con el hiperdolor visual convirtiendo la imagen de Cristo en una especie de Terminador contemporáneo.Jorge Igua reinterpreta estos símbolos del martirio, los estigmas, las laceraciones, la sangre y el color propios de los iconos religiosos y plantea comentarios acerca del hombre contemporáneo, específicamente acerca de los problemas que afectan a nuestra sociedad.
Marcela Escobar
La eterna disyuntiva femenina: María la madre de Dios o María magdalena la parcera, estas dos figuras emblemáticas de la religión católica son cargas muy pesadas de llevar para la mujer, el asumir el sufrimiento como una constante en la vida o el rechazo social por expresarse tal como es forman parte de la dualidad femenina .Marcela Escobar ha ido tras la imagen de la dolorosa, tomando registros, acercamientos y detalles de este paradigma católico. Esta documentación visual le permite a ella ejercer sobre su cuerpo y especialmente en su rostro y manos una tensión y una expresión que modifican su ser natural hasta el punto de sentir y expresar dolor, el producto de un performance intimo queda registrado en las fotografías a manera de estampa religiosa que nos cuestiona en ellas mismas acerca de la veracidad de la imagen y su discurso.
Andrés Domínguez
Sobre los niños se ejercen siempre presiones sutiles acerca de lo que es bueno y lo que es malo y a veces también se cometen actos violentos contra ellos que a la vista de la sociedad son normales, se supone que el dueño de la normalidad es el adulto, pero si lo vemos desde la mirada infantil, ¿Cómo ve un niño? Andrés Domínguez juega como adulto con este tipo de preguntas y lo hace literalmente, con los juegos de sus recuerdos, con los disfraces de sus fiestas infantiles, con los juguetes y videojuegos superponiendo la plantilla referencial del niño sobre la del adulto, tocando amplios aspectos de la sociedad y sus fantasmas
Marcela Escobar
La eterna disyuntiva femenina: María la madre de Dios o María magdalena la parcera, estas dos figuras emblemáticas de la religión católica son cargas muy pesadas de llevar para la mujer, el asumir el sufrimiento como una constante en la vida o el rechazo social por expresarse tal como es forman parte de la dualidad femenina .Marcela Escobar ha ido tras la imagen de la dolorosa, tomando registros, acercamientos y detalles de este paradigma católico. Esta documentación visual le permite a ella ejercer sobre su cuerpo y especialmente en su rostro y manos una tensión y una expresión que modifican su ser natural hasta el punto de sentir y expresar dolor, el producto de un performance intimo queda registrado en las fotografías a manera de estampa religiosa que nos cuestiona en ellas mismas acerca de la veracidad de la imagen y su discurso.
Andrés Domínguez
Sobre los niños se ejercen siempre presiones sutiles acerca de lo que es bueno y lo que es malo y a veces también se cometen actos violentos contra ellos que a la vista de la sociedad son normales, se supone que el dueño de la normalidad es el adulto, pero si lo vemos desde la mirada infantil, ¿Cómo ve un niño? Andrés Domínguez juega como adulto con este tipo de preguntas y lo hace literalmente, con los juegos de sus recuerdos, con los disfraces de sus fiestas infantiles, con los juguetes y videojuegos superponiendo la plantilla referencial del niño sobre la del adulto, tocando amplios aspectos de la sociedad y sus fantasmas
Esta exposiciòn sera itinerante por las localidades de cada uno de los artistas participantes: Suba,Patiobonito,la estrada,Villa de prado,Mirandela,Zipaquirà,etc
Jorge Pachón
Curador
Bogotá
Junio 22 de 2009
Jorge Pachón
Curador
Bogotá
Junio 22 de 2009
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